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El sacrificio del solsticio de invierno

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Sin duda alguna, la obra de arte que expresa de forma más grandiosa el sentimiento del nacionalismo romántico sueco es El sacrificio del solsticio de invierno, del pintor Carl Larsson. Hoy pende en el frontal de la escalinata de entrada del Museo Nacional de Estocolmo. Pero ¿cómo llegó un acuarelista del hogar, la felicidad infantil y el paisaje sueco a crear esta monumental obra de arte?, ¿qué representa?, ¿es fiel a la historia de los vikingos, a los ritos paganos de sacrificios humanos que supuestamente practicaban?

Carl Larsson, hijo de familia humilde, nació en un barrio de Estocolmo en 1853. Fue muy temprano, a los trece años de edad, cuando su maestro Jacobsen se percató de la facilidad del muchacho para el dibujo y la pintura, por lo que le alentó a realizar el curso preparatorio para la Academia de Arte de Estocolmo. Seis años después, el joven Carl pudo acceder ya formalmente a la escuela y empezar los estudios de arte.

A los veinticuatro, viajó por primera vez a París (centro artístico mundial de aquella época), donde quedó fascinado por el ambiente bohemio y descubrió prácticas pictóricas como el plenairismo (pintura al aire libre); una técnica que desarrollaría en profundidad a lo largo de su carrera, sobre todo en su amada tierra sueca. El afán de todos los jóvenes pintores de aquel París era que sus obras fueran exhibidas en el Salón del Louvre, la exposición anual que premiaba la calidad artística a criterio de la Academia de Bellas Artes. Carl Larsson lo consiguió en su faceta de retratista, que no era su favorita. Volvió a Suecia y empezó su carrera como ilustrador, profesión con la que le se ganaría el sustento, aunque tampoco fuera su verdadera vocación.

Regresó a Francia en 1882, pero esta vez a una colonia de artistas en Grez-sur-Loing, a setenta kilómetros de París. Allí conocería a la también artista Karin Bergöö. Ambos se casaron al poco tiempo y volvieron a Suecia, donde formarían un hogar y Carl encontraría su realización como pintor: plasmar en acuarelas la feliz vida del propio hogar.

Temas históricos y mitológicos en la obra de Carl Larsson

Ya en la madurez, de manera esporádica, Larsson comenzó a introducir algunos temas históricos y mitológicos en su pintura. Estamos en el período del fin de siglo, que dura aproximadamente de 1880 a 1920. En aquel momento el sentimiento nacionalista se hallaba en auge en los países europeos. Cada uno buscaba en su historia un pasado único que lo caracterizara y reforzara su identidad nacional. En el caso de Suecia, se volvió la vista a la antigüedad vikinga y a los grandes dioses como Odín y Thor. Este tema caló poco a poco en la obra de Larsson, y así nos dejó una serie de acuarelas suyas muy significativa sobre la diosa Iðunn, publicada en las Navidades de 1901.

En la mitología nórdica, Iðunn (cuyo nombre significa ‘rejuvenecedora’) es la diosa de la juventud y la feminidad. Aparece en diversas fuentes literarias (por ejemplo, los Edda) y sus principales historias están vinculadas al dios Loki. De ella se dice que poseía unas manzanas sagradas, las cuales procuraban la juventud eterna a los dioses. Eso nos hace pensar en mitos grecorromanos como las manzanas del Jardín de las Hespérides. La deidad inspiró a Larsson, quien trató el tema de formas muy singulares. Así, tenemos una acuarela de su hija Brita vestida de rojo, portando en una mano un cesto de manzanas y en la otra una especie de amuleto con tres velas, de las que cuelgan sendas frutas. Otro trabajo sobre Iðunn representa, con acuarela y pan de oro, a una joven diosa en su esplendor: lleva corona, vestido ritual, un colgante con abalorios del que pende el martillo de Thor y un cesto de manzanas entre las manos. Hay un tercer cuadro sobre esta materia cuyo planteamiento también resulta curioso: en un interior sueco de la época se encuentra una herma con la cabeza de la deidad, la cual es adornada con flores por dos muchachas; una tercera, sentada de espaldas, admira la belleza de la escultura mientras sostiene una gran guirnalda. El artista rinde así tributo a la belleza de la juventud.

Otro tema tratado por Larsson, que reviste interés debido a su carácter histórico y mitológico, es el que aparece en La feminidad sueca a través de los siglos; una serie de decoraciones murales que realizó en 1903 para la nueva escuela elemental femenina de gramática de Gotemburgo. En la obra se incluyen escenas como «La mujer de la Edad de Piedra», «La mujer vikinga» (donde una madre y sus hijas contemplan una piedra rúnica erigida en honor al padre) y «Santa Brígida» (santa del siglo XIV, patrona de Suecia); así como retratos de jóvenes de la época. Tanto este trabajo como sus posteriores creaciones monumentales recuerdan a la producción final de Alphonse Mucha. El pintor checo, tras obtener gran éxito en París, abandonó el art nouveau que le hiciera famoso para dedicarse a su colosal Epopeya eslava; una producción de gran tamaño donde trataba de recuperar la historia del pueblo eslavo: desde los orígenes paganos, pasando por la conversión al cristianismo, hasta terminar con su situación en la época. Como vamos a ver, el camino de ambos pintores está impregnado en su madurez del sentimiento romántico y nacionalista.

En ese contexto de exaltación del pasado debemos situar un gran lienzo realizado por Larsson, que hoy se expone con El sacrificio del solsticio de invierno en el vestíbulo superior del Museo Nacional de Estocolmo. Se trata de La entrada de Gustav Vasa de Suecia en Estocolmo, 1523, una obra que fue propuesta para decorar el Museo Nacional de Estocolmo en 1891, pero no se culminó hasta 1908. Plasma el episodio final de la rebelión de Gustav Vasa contra Cristian II, el heredero de la Unión de Kalmar que pretendió gobernar en un solo reino las naciones de Noruega, Suecia y Dinamarca. Tras librar varias batallas y sufrir traiciones (entre cuyas víctimas se contó su padre), Vasa se alzó con la victoria y fue proclamado regente de Suecia en 1521, en la provincia de Östergötland. Sin embargo, no sería hasta el 20 de agosto de 1523 cuando efectuara la entrada triunfal en Estocolmo que representa Carl Larsson. En su enorme cuadro podemos observar la influencia italiana: nada más ver la pintura es imposible no recordar las ecuestres escenas de triunfo representadas por maestros como Donatello, Paolo Uccello o Andrea del Castagno.

El sacrificio del solsticio de invierno

Tras enviar varias propuestas para decorar otra de las paredes de la entrada del Museo Nacional de Estocolmo, Carl Larsson fue seleccionado por un jurado en 1914 para llevar a cabo el proyecto. La tela era El sacrificio del solsticio de invierno, cuyas dimensiones son de nada menos que 13,6 metros de ancho y 6,4 metros de alto.

Las fuentes en las que el pintor se inspiró fueron las obras de Adán de Bremen y Snorri Sturluson, dos escritores cristianos medievales. Sus crónicas reflejan los ritos paganos desde una óptica crítica e interesada, por lo que hay que leerlas con cierta cautela. Además, ninguno menciona explícitamente la escena que Larsson plasmó.

Adán de Bremen, en un texto escrito en torno al año 1000, describió una gran celebración que tenía lugar cada nueve años en el equinoccio de primavera. El acontecimiento transcurría en un templo donde se adoraban estatuas de los dioses principales del panteón nórdico: Thor, Odín y Frey. Esta festividad tenía su culmen en el sacrificio de nueve hombres: los acuchillaban y su sangre era ofrecida a los dioses, luego los colgaban de un árbol junto al templo. En cuanto a Snorri Sturluson, en la Edda en prosa describe crueles sacrificios humanos ejecutados por los suecos, supuestamente en la ciudad de Upsala.

Si atendemos a los hallazgos arqueológicos realizados hasta la fecha, podemos confirmar que, efectivamente, los paganos del norte ofrecían sacrificios humanos a los dioses. No obstante, estos se llevaban a cabo por ahogamiento, pues las víctimas eran lanzadas al pantano y obligadas a hundirse. A veces, incluso les lanzaban grandes piedras para que no pudieran salir a flote. Sin embargo, no tenemos evidencia física de los sacrificios mencionados por Sturluson o De Bremen.

Quizá el texto que mejor explique el lienzo de Larsson sea La historia de Domald, de Snorri Sturluson. Este relato habla de un rey que gobernó Suecia en tiempos muy antiguos. Probablemente se trate de un mito, porque no hay registros históricos sobre él. Según la narración, bajo su reinado empezaron a vivirse hambrunas debido a las malas cosechas. Por orden suya, cada año se hacían mayores sacrificios, pero la situación empeoraba. Vista la situación, el propio monarca decidió inmolarse para que volviera la abundancia. Y así sucedió: con su muerte la prosperidad regresó al reino.

El cuadro de Larsson muestra un templo, probablemente de la antigua Upsala. En el centro de la composición están los tres personajes principales: el sacerdote, que viste ropas rituales blancas, lleva un triskel en el cuello y alza un martillo de Thor; el verdugo, ataviado con capa roja y ocultando su daga a la espalda; y el rey, quien se quita el manto y aparece desnudo, presto al sacrificio. Aquí hallamos una contradicción, ya que, por lo que sabemos, ejecutor y religioso deberían ser la misma persona. No hay muchas fuentes a este respecto, no obstante conocemos la existencia de una figura sacerdotal que administraba, a su vez, los sacrificios.

A la derecha de la escena encontramos a la casta guerrera: las huestes, armadas y vestidas de gala, esperan expectantes la oblación. Podemos ver en detalle sus escudos redondos, lanzas y cascos con remates dorados. En el centro, justo detrás del religioso, observamos una estatua de Thor. Este porta su martillo Mjolnir y está flanqueado por dos cabras y un par de animales dorados, parecidos a leones. A la izquierda, dos grupos de personas —de casta sacerdotal y guerrera— hacen sonar los cuernos, lo cual indica que ha llegado el momento del martirio. Tras ellos, en el extremo izquierdo, un grupo de mujeres con ricos vestidos negros ejecutan una danza ritual. En segundo plano vemos a la gente que observa desde las ventanas del templo.

El sacrificio del solsticio de invierno se colgó en el Museo Nacional de Estocolmo en junio de 1915. Tan solo cuatro años después, en 1919, Carl Larsson murió. A partir de ese momento, la obra sufrió una serie de vicisitudes. Primero se la trasladó a Lund y después pasó al Museo de Historia de Estocolmo, aunque en los años ochenta fue subastada y vendida a un coleccionista japonés. Volvió a Suecia en 1997, cedida por su nuevo dueño para una exposición sobre el autor. Finalmente, en 1997, el Museo Nacional la volvió a adquirir. Desde entonces cubre la pared frontal de su escalinata, dando la bienvenida a todos los visitantes.

Conclusión

Carl Larsson es reconocido hoy como el gran pintor de la felicidad en el hogar sueco de finales del siglo XIX. Sin embargo, no es menos cierto que en su etapa de madurez comenzó a tratar temas históricos y mitológicos, de acuerdo con el sentimiento romántico y nacionalista de la época, al igual que otros pintores europeos hicieran en sus respectivos países. El caso de Larsson nos habla de un crescendo de la influencia romántica en su obra: desde la timidez de temas como la diosa Iðunn hasta la colosal obra El sacrificio del solsticio de invierno, realizada para el Museo Nacional de Estocolmo y culminación de su carrera.

Los retratos más antiguos del mundo

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Nos vamos a Egipto, a visitar algunos de sus lugares y templos donde descubriremos algunos de sus misterios.

Los retratos de El Fayum

 

 

Para inaugurar el boletín de Mistérica Land vamos a hablar de un conjunto de obras artísticas encontradas en la región de El Fayum, en Egipto, y que datan de los siglos I al IV d.C. Estas obras representan rostros de personas y aparecieron colocadas sobre sudarios envolviendo a los muertos. Además, se podrían considerar como los retratos de hombres y mujeres reales más antiguos de la historia que conservamos.

En el mundo griego, la pintura (de la que conservamos muy poca) y la escultura representaban a dioses o a figuras idealizadas. Nunca eran retratos. Hay una leyenda sobre el primer retrato que nos cuenta Plinio el Viejo sobre el artista griego Butades: el novio de su hija se marchaba al extranjero y para recordarle, Butades trazó su sombra en la pared con carboncillo y lo amasó en arcilla. Ese sería el primer retrato de la historia según los griegos.

Aparte de esta leyenda, los primeros retratos de personas reales los tenemos en Roma, donde existía la costumbre de hacer retratos a las personas de mayor posición, pero tampoco conservamos muchos ejemplos.

Esta costumbre se extendió al Egipto romano pero con una función funeraria. Como sabemos, en Egipto los faraones se enterraban con ricas máscaras funerarias (pensemos en Tutankhamón por ejemplo). Pero las clases menos pudientes lo que hacían era un retrato del fallecido y lo colocaban sobre su mortaja.

Para los egipcios era importante tener su cuerpo preparado para la otra vida. Cuando fallecía una persona era sometida al pesaje de su alma para ver si ascendía al Cielo o por el contrario caía en el Inframundo. Allí estaba Anubis pesando el alma en una balanza con la pluma Maat. Y aguardaban los dioses Thot y Ammit. Ammit era la diosa que devoraba el corazón del fallecido si no era considerado «Justo de voz» en el pesaje, perdiendo su condición de inmortal. Además, este pasaje fue absorbido por el Cristianismo para representar el Juicio Final.

Pese a que El Fayum es una zona de Egipto relativamente húmeda, se dieron las condiciones idóneas del clima para que se conservaran las momias con sus retratos. Estaban hechas sobre madera y con una técnica que se llama encáustica: pigmentos mezclados con cera. Esto, además de conservar, otorga unos colores muy ricos a las pinturas. Esta práctica tuvo su continuidad en los iconos bizantinos y en el arte copto.

Entre los representados tenemos hombres y mujeres de distintas edades e incluso también niños y niñas. Sabemos que eran miembros de las elites militares y/o religiosas, descendientes de colonos o colonos mismos, personas que podían costearse un oficio religioso caro. Sabemos que estos retratos a veces se hacían en vida. Lo conocemos porque algunas momias de ancianos tenían retratos de cuando eran jóvenes. No obstante, la intención última era conservarlos para su mortaja. Sobre todo destacar los ojos y la mirada. Son retratos frontales y de gran expresividad mientras que en todo el arte egipcio las figuras son esquemáticas y están de perfil.

Se han conservado unos novecientos retratos de El Fayum que están repartidos por distintos museos del mundo. Muchos están en el Museo de El Cairo. En Europa en el Louvre, British Museum, el Pushkin de Moscú, Estocolmo, Atenas, Berlín, Turín. En Norteamérica en Nueva York, Washington o en la Villa Getty en Los Ángeles.

No tenemos en España, pero en estos días podemos ver uno en la exposición “Momias” de CaixaForum Madrid. Una de las seis momias que se exhiben es la de un niño que muestra uno de estos retratos de El Fayum.

El legado perdido de Tutankhamón

 

Un libro de Andrew Collins y Chris Ogilvie-Herald

 

Hay algunos secretos que han permanecido ocultos hasta hace muy poco tiempo. La tumba de Tutankhamón, el mayor descubrimiento arqueológico de todos los tiempos, esconde un enigma: entre los maravillosos tesoros de la tumba se rumoreaba que había papiros que contenían el «relato real» del Éxodo bíblico de los israelitas de Egipto. En un momento en que Oriente Medio estaba en erupción por el apoyo de Gran Bretaña al establecimiento de una patria judía en Palestina, la amenaza del arqueólogo Howard Carter de dar a conocer el contenido de los papiros al mundo podría haber causado caos en todo el Medio Oriente.

¿Qué secretos se esconden detrás de la polémica apertura de la tumba de Tutankhamón?

¿Revelaron los contenidos de los papiros encontrados en la tumba la verdadera historia del Éxodo bíblico?

¿Fue Tutankhamón el faraón del Éxodo? ¿Y tuvo lugar alguna vez la conquista de Canaán, como se describe en el Antiguo Testamento?

Todo esto lo podrás descubrir en El legado perdido de Tutankhamón, de Andrew Collins y Chris Ogilvie-Herald, editado por Luciérnaga.

Momias

 

Si estás en Madrid antes del 26 de octubre de 2022, no dejes de pasarte por el Paseo del Prado 36 para visitar una exposición única en CaixaForum Madrid. Traidas del British Museum, seis momias egipcias nos muestran el mundo de ultratumba de la cultura del Nilo. Antes hablámbamos de este proceso. Pues bien, en esta expo puedes apreciar con detalle cómo se preparaba el cuerpo del finado, cómo se amortajaba, las distintas prácticas de embalsamamiento y de momificación. Una de esas momias es la de un niño y tiene un retrato del El Fayum.

El Templo de Debod

 

Y ya para despedir esta primera edición de Mistérica Land, hablemos de una joya de la arquitectura egipcia que tenemos en Madrid: el Templo de Debod. Se trata de un edificio que iba a ser inundado por la presa de Assuan y que por las ayudas de España a Egipto en su construcción lo recibimos como regalo. Si quieres saber más sobre esta construcción egipcia en la capital, te dejo dos recursos: el podcast en el que entrevisto a Alfonso Martín Flores, su conservador, o mi libro Crónicas del Madrid secreto.

El misterio de la diosa

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Los orígenes de la humanidad siguen siendo una incógnita. Las diversas teorías aceptadas universalmente, elaboradas por la Academia, están sometidas a los reveses que sufren cuando un nuevo descubrimiento apoya ideas contrarias. Una de las ideas que cobran vigor cada vez con más fuerza son aquellas que nos hablan de un matriarcado primigenio y del culto a la Diosa Madre.

Los libros que te propongo en esta ocasión van en esta línea: el desarrollo de las creencias de la primera humanidad tuvieron una componente netamente femenina. Aquí se abren las puertas de la biblioteca escarlata. Adelante…

La Diosa Blanca

Estamos ante una obra capital del gran escritor y filólogo Robert Graves, auntor, entre otros del archiconocido Yo, Claudio. Se trata de La Diosa blanca, un ensayo escrto en 1948 pero que siguió evolucionando hasta su última revisión en 1960.

Se trata de un texto muy complejo cuyo objetivo es desentrañar la existencia de una deidad femenina primigenia anterior al patriarcado. Hay que advertir que el argumentario que utiliza el autor para llegar a esa conclusión es harto complejo y demanda del lector una serie de conocimientos. Podría decirse que se trata de un libro para iniciados.

La erudición de Graves es tal que utilizó sus enormes conocimientos de antropología, arqueología y filología para plantear un ensayo relacionando diversas culturas con la céltica.

De alguna manera, Graves plantea cómo las palabras migran de una cultura a otra portando sus significados. El autor argumenta que poetas y bardos tenían una serie de acertijos; él los va resolviendo a lo largo del libro y es en ellos donde encuentra sus respuestas, con las que muestra al lector el camino que lleva a La Diosa Blanca.

Quería mencionar también que, en cierto modo, La Diosa Blanca vendría a ser una suerte de continuación de La rama dorada de James George Frazer, publicada inicialmente en 1890 y compilada completamente en 1922. De hecho, Graves la cita como referente en varias ocasiones a lo largo del libro.

El mundo que nos abre Robert Graves en esta obra es fascinante, y nos desvela una forma de ver la Antigüedad diferente a la que podemos encontrar en la historiografía ortodoxa.

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Diosas

Vamos con otra obra capital dentro de la mitología referida a deidades femeninas. Me estoy refiriendo a Diosas de Joseph Campbell, editada por Atalanta en 2015. Aprovecho para mencionar que esta editorial ha tomado la antorcha de liderar la traducción de las obras de Campbell al castellano, uno de los mitógrafos más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Debo mencionar que el libro no fue concebido como tal por el autor, sino que se trata de una recopilación de conferencias impartidas por Campbell referidas al papel de la diosa en la Antigüedad.

El profesor logra explicar las migraciones simbólicas de las diosas desde el Paleolítico hasta el Renacimiento, pasando por las primeras civilizaciones de Mesopotamia, Egipto, Grecia y Roma. Además, aporta muchos de los significados presentes en la imaginería cristiana.

Entre las ideas más destacables del volumen, encontramos la exposición de cómo la cultura matriarcal asentada en Europa central durante el Neolítico sufrió la invasión de los pueblos semíticos e indoeuropeos de carácter patriarcal, que terminaron imponiéndose, y cómo permeó en las nuevas mitologías la idea de la diosa.

Diosas – Ediciones Atalantawww.edicionesatalanta.com

Según James Hillman, «nadie en nuestro siglo –ni Freud, ni Thomas Mann, ni Lévi-Strauss– ha traído el sentido mítico del mundo y sus eternas figuras de vuelta a nuestra consciencia diaria como Joseph Campbell».

Las huellas de la Diosa

Un libro más reciente que no quiero dejar pasar por alto es Las huellas de la Diosa. Viaje a los misterios de las cuevas de mi querido y admirado Paco González.

Su bagaje como editor de la revista Año/Cero le ha permitido desarrollar un olfato muy certero para los asuntos heterodoxos. Es, como yo, crítico con la Academia, y defensor de la idea de que nos han contado la Antigüedad de forma errónea.

Además es un gran viajero y ese buen ojo le ha llevado a visitar lugares recónditos de todo el mundo, persiguiendo los enigmas de la Antigüedad. Yo he tenido el placer de viajar con él en varias ocasiones y disfrutar de esos lugares especiales de los que nos habla en este libro: las cuevas.

Las cuevas (sobre todo aquellas con fórma de vulva), a modo de úteros de la Gran Madre, esconden lo sagrado para los antiguos. Muchos elementos que nuestros libros de historia presentan como masculinos se revelan hoy día como femeninos. Por ejempo, las manos pintadas en negativo en las cuevas se revelan hoy como manos femeninas o de niños y niñas, realizadas con pigmentos y no con sangre.

Uno de los apartados que más me ha gustado es en el que nos habla de Malta y sus templos subterráneos. Y es que estuve con Paco en esa Isla y, aunque no pudimos descender al famoso hipogeo de Hal Saflieni, si pudimos ver la escultura femenina tumbada que presidía este imponente lugar subterráneo. De nuevo la diosa que preside la cueva.

Pero un detalle que se me ha quedado grabado es la conexión de las cuevas con lo sagrado femenino en el acervo popular. Solo hay que repetir ese estribillo que cantábamos de pequeños: ¡que llueva, que llueva! ¡la Virgen de la Cueva! No se puede decir tanto en tan poco.

Para terminar, comentar que el texto, editado en 2021 por Odeón, tiene el gran aval de haber sido el X Premio Juan Antonio Cebrián de divulgación histórica. Otra razón más para que te hagas con este libro.

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La música de Ataraxia

El grupo de música italiano Ataraxia es uno de mis favoritos. Y lo traigo hoy a colación porque sus composiciones siempre reflejan aspectos del mundo antiguo: deidades, cultos, rituales, procesos alquímicos, siempre en relación con el mundo de lo sobrenatural. Este es el caso de su último álbum Pomegranate – The Sporit of the Elementals está a punto de ver la luz.

A modo de avance, te dejo dos videoclips de adelanto del álbum que espero sean de tu agrado.

IV Congreso Internacional de Baraja y Tarot

El Emperador del Tarot Visconti del Museo Fournier de Vitoria.

Del 23 al 25 de septiembre de 2022 tuvo lugar en Madrid el IV Congreso Internacional de Baraja y Tarot, organizado por La Orden de Ayala y ASESCOIN. La cita es en el Hotel Vincci Soma Goya y las entradas se pueden adquirir en esta web.

El caso es que, por cuarto año consecutivo, estuve presente en el congreso con una ponencia titulada “Los tarots perdidos del Renacimiento” donde hablé tanto de los tarots del siglo XV más conocidos como los Visconti, el Mantegna o el Sola Busca, como de otras barajas que se conservan muy fragmentadas como el Tarot de Carlos VI, el Tarot Goldschmidt Guildhall, los de Ferrara y el Tarocchino boloñés, entre otros.

Si quieres estar al tanto de noticias y reflexiones sobre la simbología y la historia del Tarot, no dejes de visitar mi nueva web: https://conocereltarot.com/ . Apúntate allí si quieres esta al tanto.

El osario de Sedlec

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Esta semana viajamos a Kutna Hora en la República Checa, cerca de Praga, para descubrir un lugar verdaderamente espeluznante: el osario de Sedlec.

Allí todo está hecho de huesos: paredes, lámparas, escudos… un lugar donde la muerte se hace presente y nos acecha por todos lados…

Pero antes de empezar este viaje, quiero dar la bienvenida a los oyentes del programa Espacio en Blanco que habéis escuchado la entrevista que me realizó Miguel Blanco y gracias a la cual os habéis apuntado a este boletín. Espero que sea de vuestro agrado.

Vamos allá, a ver el tétrico espectáculo de esta capilla ósea.

Los osarios

Los osarios son recintos, frecuentemente religiosos, en los que se reúne una gran cantidad de huesos humanos. Los encontramos repartidos por los cinco continentes, pero fue en Europa donde, desde el siglo VI, florecieron un sinnúmero de capillas o recintos donde se exhibían restos óseos humanos.

Pero la particularidad de los osarios es que, en muchas ocasiones, se utilizaban estos restos óseos para realizar creaciones artísticas, disponiéndolos sobre columnas, hornacinas, lámparas, y otros elementos arquitectónicos. Vamos, que podríamos decir que se trata de un arte puramente funerario.

La percepción generalizada que se tiene hoy día de los osarios es que se trata de ritos aberrantes de naturaleza generalmente pagana, pero este es sin lugar a dudas un tópico erróneo. Hasta el siglo XIX las personas acudían a los osarios para pedir ayuda a los difuntos, en busca de consejos del más allá que solucionaran los problemas cotidianos. En contraprestación, los vivos rezaban oraciones, regalaban relicarios o realizaban cualquier tipo de ofrenda.

Por otro lado, la creación de osarios correspondía también a una necesidad. Los cristianos deseaban que, al fallecer, sus huesos fueran enterrados en un camposanto. Los espacios dedicados a los enterramientos en las iglesias no eran demasiado grandes y, en función del tamaño de la comunidad, en pocos años quedaban saturados, máxime cuando alguna plaga o la peste se llevaban por delante a buena parte de la población. Esto implicaba que había que retirar los huesos más antiguos para dar cabida a los nuevos.

Pero, ¿qué hacer con los huesos desenterrados? No se podían deshacer de ellos sin más. Había que conservarlos para garantizar su resurrección en la segunda venida de Jesucristo. Para ello se crearon en las iglesias unos recintos secundarios denominados carnarium, donde se depositaban aquellos restos óseos. Generalmente los huesos se guardaban en urnas llamadas «osarios», término que después pasaría a designar el espacio arquitectónico elaborado a partir de huesos.

El osario de Sedlec y de su historia.

Aunque la popularidad de este osario parte del siglo XIX, su creación se remonta mucho más atrás en el tiempo. El monasterio original se construyó en 1142, en un barrio de lo que hoy conocemos como República Checa, y adquirió notoriedad cuando Enrique, el abad, fue enviado a Tierra Santa por el rey Ottokar II de Bohemia, en 1278. A su regreso trajo consigo tierra recogida en el Gólgota y la esparció por el cementerio de la abadía. Este acto piadoso generó un fenómeno de atracción de fieles, y el cementerio de Sedlec se convirtió en un lugar de entierro codiciado en toda Europa Central, por lo que el número de personas sepultadas allí fue muy elevado.

El monasterio vivió tiempos de esplendor, pero perdió vigencia en el siglo XV, época en la que fue asolado por la Peste Negra y saqueado por los husitas (una vertiente religiosa reformista liderada por Jan Hus). Después de los terribles hechos, una orden monástica regresó a la abadía en 1454 bajo regla de estricta pobreza. En torno al año 1400 se construyó una iglesia gótica en el cementerio dedicada a todos los santos, con una bóveda en la parte superior y una capilla en el sótano, donde se ubicó el osario. Sabemos que en la época dicho osario fue un lugar importante de culto y recibió numerosas peregrinaciones.

Tenemos el testimonio de un jesuita, fechado en la década de 1650, que señala la singularidad del lugar. Cuenta la leyenda que el osario fue decorado por un monje ciego, quien apiló los huesos en seis grandes pirámides (de las que solo cuatro se conservan hoy). La intención parecía ser transmitir la idea de una montaña celestial coronada en su cumbre, a imagen del Reino de Dios.

La ornamentación de los siglos XVIII y XIX

En esta época es cuando la familia Schwarzenberg adquirió el monasterio de Sedlec, muy próximo a Praga, gracias a que el emperador José II, para tratar de controlar el poder de la Iglesia católica, disolvió y subastó un gran número de monasterios. La capilla de Todos los Santos (que es el osario), sería remodelada en el siglo siguiente. En 1860 se acometieron las reformas del espacio y la nueva decoración. La obra fue ordenada por Karl Joseph Adolph von Schwarzenberg, y existe la sospecha de que fue motivada por el conocimiento de otro importante osario: el de Czermna, uno de los más importantes de la época, situado en Polonia. El trabajo fue encargado al artista Frantisek Rint, tallista de madera. Rint decidió limpiar todos los huesos y utilizó para ello cal clorada, con lo cual este osario tiene un aspecto diferente a la mayoría, donde se puede apreciar la coloración ocre de los huesos con el paso del tiempo.

Parece ser que la capilla contó con huesos de más de cuarenta mil personas. Entre las composiciones artísticas de huesos de este lugar podemos destacar: la lámpara de araña, los cálices de hueso, grandes custodias con calaveras en medio, guirnaldas y cuatro chapiteles con calaveras rematados por angelotes. Además, como elemento relevante dentro de la capilla, hay que destacar el escudo de la familia Schwarzenberg, realizado íntegramente con estos restos humanos.

Cómo llegar

Los lectores que vayáis a visitar la ciudad de Praga o sus alrededores podéis aprovechar el viaje para acercaros a esta interesante muestra de arte funerario. Sedlec está a menos de 80 km de Praga y se puede llegar en tren hasta Kolin, donde hay que hacer transbordo para llegar a Kutna. Desde la estación principal de ferrocarril de Kutna se puede ir andando hasta el barrio de Sedlec, que queda a unos diez minutos de camino.

Terminamos este boletín con la frase que podemos leer en este impresionante osario:

Lo que nosotros somos, vosotros seréis. Lo que vosotros sois, nosotros fuimos.

Las reliquias de Mártioda en Álava

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Historia de las reliquias

La palabra “reliquia” procede del latín reliquiae y quiere decir literalmente: lo que queda atrás. En el mundo cristiano comenzaron a aparecer a partir del siglo IV y su finalidad era la de honrar a los personajes que habían defendido la fe cristiana. Pero el caso es que la práctica de adorar el cuerpo de los antepasados era una costumbre pagana que se difundió tanto que la Iglesia tuvo que admitir finalmente su culto. 

Las reliquias podrían ser definidas como la presencia materializada de lo sagrado que ofrecen testimonio de las personas que fueron santas y que tienen poder sobre el mundo de los vivos. El caso es que el auge del culto a las reliquias se dio en la Edad Media, momento en el que se decidió fragmentar los cuerpos de los santos para difundirlas a las parroquias de todo el orbe cristiano. Este momento álgido provocó también el crecimiento de la falsificación de reliquias. Muchos aprovecharon la situación para sacar rédito económico dando gato por liebre.

En la Edad Moderna, las reliquias todavía adquirieron una mayor relevancia. Los creyentes, ya fueran reyes, nobles, clérigos o vasallos miraron a las reliquias no solo desde un aspecto devocional, sino también social y político. La posesión y el control de los objetos sagrados aumentaban el prestigio de las familias nobles, la aristocracia, las casas monásticas y de las iglesias. Por una parte renovaban la hegemonía de los nobles y por otra despertaban el sentimiento religioso del pueblo llano.

Pero en el siglo XVI llegó la Reforma protestante con Lutero a la cabeza, quien puso en entredicho el culto a las reliquias tachándolo de superstición e irracionalidad alejada de la fe. Ello provocó la respuesta de la Iglesia Católica, que promovió el rescate y traslado de muchas reliquias desde las iglesias del norte de Europa a España o Italia, pues temían su destrucción por parte de los protestantes.

En este contexto, los poseedores de reliquias quisieron conservarlas de la mejor forma posible y para ello elaboraron soportes o contenedores para estos restos a los que se conoce como relicarios, realizados con materiales preciosos. La visión de los huesos no era un requisito imprescindible para experimentar su poder; de hecho, los relicarios de madera, metales preciosos o ricos tejidos ocultan los restos y exponen la reliquia como sustancia incorrupta, resistente al paso del tiempo.

Las reliquias de Mártioda

En la provincia de Álava, en la localidad de Mártioda, se conservan en su iglesia unas reliquias pertenecientes a la familia Hurtado de Mendoza, un importante linaje dedicado a la diplomacia internacional en la corte de los Austrias. Antonia Hurtado de Mendoza y Salvatierra, señora de Mártioda, vivió en Bruselas a mediados del siglo XVII junto a su marido Juan de Necolalde, comerciante guipuzcoano y Veedor de Armas de las fortalezas de Flandes, y es muy posible que promovieran la recolección y decoración de una serie de reliquias.

Lo que tenemos son dos grupos de reliquias diferentes, de los que conservamos una serie de cráneos. Uno pertenecería a las once mil vírgenes que acompañaron a santa Úrsula y el otro a la Legión Tebana. Las primeras harían referencia a una santa alemana del siglo V. Se dice que Úrsula se negó a casarse con un rey pagano. Marchó a Roma en peregrinación y a su vuelta a Colonia fue requerida por Atila para ser su mujer y le pidió favores sexuales. Tanto ella como otras once mil doncellas cristianas se negaron al deseo de los Hunos y fueron sacrificadas. 

El segundo grupo de reliquias pertenecen, esta vez, a hombres, miembros de la Legión Tebana. Se trata de unos 6.600 soldados del Imperio Romano que vivieron en el siglo III d.C. y que decidieron convertirse al cristianismo con san Mauricio a la cabeza. Llamados a la batalla, decidieron no acatar las órdenes que contravenían su fe cristiana y fueron masacrados entre los años 285 y 306 en Agauno (la actual San Mauricio), en el Valais (Suiza). 

Debemos tener en cuenta el significado de estas reliquias al ver cómo están preciosamente engalanadas y montadas en un marco de madera para su adoración. Un tesoro material para exhibir una joya espiritual. 

Estos relicarios fueron realizados en Flandes en la primera mitad del siglo XVII. Cada calavera tiene una rica tela que lo cubre parcialmente. Un grupo de relicarios tienen además plantas y flores realizados con alambres e hilos de seda y que podemos relacionar con los llamados jardines cerrados, un género artístico flamenco que reproduce jardines en miniatura evocando el paraíso celestial donde residen estos mártires. Cada grupo de calaveras están expuestas en un mueble de madera ricamente labrado y que tiene diversos receptáculos para albergar cada reliquia. Un tesoro funerario de primer nivel.

Los estudios realizados

Se han estudiado todos los huesos del conjunto con diversas técnicas. El resultado ha sido que pertenecen mayoritariamente a individuos de sexo masculino entre 21 y 55 años (aunque algunos huesos son claramente femeninos). Las características antropológicas de los cráneos son compatibles con el tipo euroafricano-mediterráneo, presente tanto en poblaciones del norte de África como en el sur de Europa. Y la fecha de datación de los huesos por radiocarbono las sitúa en el siglo III d.C., compatibles con las historias de la vida de los santos que hemos comentado anteriormente.

Por otra parte, se han recuperado partes de los tejidos y los materiales de los relicarios, procediéndose a una restauración minuciosa y completa de los mismos. Ahora podemos apreciarlos en su dimensión original.

Visita a las reliquias

He tenido la suerte de ver estos lujosos relicarios y el conjunto de sus reliquias en los últimos días de su exhibición en el Museo de Bellas Artes de Vitoria. Todo parece indicar que volverán a su lugar original en la iglesia de Mártioda en Álava. Si tienes la oportunidad de ver estas reliquias estoy seguro que la experiencia no te dejará indiferente.