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¿Qué inspiró el arte de Arcane (2021)?

Autora: Alexandra Sorina Radulescu

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La idea de producir una serie de animación que esté basada en la historia de un videojuego, con una mayoría de mujeres protagonistas y que trate temas tan serios como el abuso de poder, la pérdida de seres queridos y la desigualdad social puede parecer algo arriesgada por varios motivos. Primero, porque es bastante posible que si intentaras recomendar una serie de animación a un adulto, éste la desprecie de primeras ya que, popularmente, la animación es un género “dirigido para los niños”; y segundo, porque es muy fácil “fallar” en la adaptación de un videojuego tan reconocido como lo es League of Legends, jugado por una grandísima mayoría de hombres que prefieren a los personajes masculinos sobre los femeninos. Sin embargo, Arcane (2021), a pesar de no tenerlo todo a su favor, ha logrado ser un gran éxito mundial, reconocido por su historia, sus personajes, su banda sonora y su estética. Hayas o no tenido la oportunidad de ver esta serie, hoy vamos a hablar no sobre su argumento o sus personajes (información muy fácilmente accesible en la red), sino sobre su marcada estética y sus mayores fuentes de inspiración artística.

Arcane parte de una temática y estética arraigada en los grandes géneros de ciencia ficción y fantasía, géneros a los que muchos de nosotros les hemos dedicado gran parte de nuestra infancia y adolescencia con series y películas como Star Wars y Blade Runner, o autores como J.R.R. Tolkien y Julio Verne. No es para nada una casualidad que el propio estudio de animación de la serie decida hacer un pequeño pero muy claro guiño a la influencia que estos géneros han tenido en su producción (que solamente los más perspicaces serían capaces de distinguir) al llamar Julio y Verne a dos personajes que se sientan al lado en una breve escena del primer capítulo. Creo que no os sorprendo diciéndoos que este estudio es francés, al igual que el mismo reconocido autor.

Si queremos indagar más específicamente, Arcane encajaría en el subgénero steampunk que, como su propio nombre sugiere, sigue empleando la tecnología de las máquinas de vapor (steam) como motor principal en las creaciones del mundo. El transporte mismo es prueba de ello, con el uso de aeronaves, globos aerostáticos y carruajes a base de sistemas de propulsión mecánicos, a vapor o algún tipo de gas no especificado. Por la combinación entre los motores de vapor y una peculiar estética que combina lo rústico e industrial, colores beiges, cobres, amaderados y azulados, estos transportes poco tienen que ver con los aviones, trenes y coches que usamos hoy en día. Más bien, nos recuerdan a los transportes de la época victoriana en la que se suelen ambientar las obras de estilo steampunk.

Fig. 1. Diferentes aeróstatos y dirigibles ilustrados en la Enciclopedia Brockhaus y Efron, 1890-1907 (Brockhaus y Efron)

Fig. 2. Diferentes transportes vistos en Arcane, (Vincentelli)

Por otro lado, la estética steampunk no es la única que predomina en Arcane. El mismo estudio Fortiche ha hablado claramente sobre las grandes influencias que se reflejan en la arquitectura, la animación e incluso en las escenas de acción. En concreto, la arquitectura de las dos ciudades de la serie, la privilegiada Piltover y la desfavorecida Zaun, necesitaba demostrar a la vez que un gran contraste, también la relación entre ellas que irá avanzando mediante la serie. Esto se logra relacionándolos con dos estilos que son comúnmente confundidos a pesar de sus grandes diferencias: el Art Decó y el Art Nouveau. Mientras que Piltover necesitaba exhibir sus valores de riqueza, seguridad, jerarquía y poder con las formas geométricas, líneas rectas, simetría y colores vivos y brillantes del Art Decó, Zaun nos muestra su “rebeldía” en contraposición a los valores de Piltover con las formas onduladas, curvilíneas y asimétricas, colores intensos e incluso neones junto a patrones con estilo floral y natural del Art Nouveau.

Fig. 3. Calles de Piltover en el Día del Progreso, 2024 (Vincentelli)
Fig. 4. Piltover, 2024 (Vincentelli)
Fig. 5. Ventana y lámpara en una vivienda de Zaun, 2024 (Vincentelli)
Fig. 6. Plano de una zona de Zaun, 2024 (Vincentelli)

Curiosamente, las obras del artista Alfons Mucha han sido una de las mayores inspiraciones para los diseñadores de Fortiche, que incluyen su estilo artístico en cristaleras, murales, ventanas y fachadas, particularmente de Zaun.

Fig. 7. Job, 1896 (Mucha)
Fig. 8. Mural en Zaun, 2021 (Arcane)
Fig. 9. Cristalera en Zaun, 2024 (Vincentelli)
Fig. 10. Verano, 1896 (Mucha)

Los diferentes tipos de pintura y arte que han inspirado Arcane se dejan ver también en escenas puntuales de la segunda temporada. Varias escenas de acción combinan su característico estilo 3D con un estilo 2D FX más reconocible en cómics o incluso videojuegos. Al mismo tiempo, también podemos observar escenas en acuarela, mostrando la gran versatilidad del estudio de animación a la vez que se transgreden los límites en ocasiones algo rígidos de las series en cuanto a técnica artística. No es casualidad que las escenas de acción estén relacionadas con el estilo cómic mientras que las escena más conmovedoras estén asociadas con la acuarela, pues cada una de estas técnicas despiertan emociones diferentes; como la adrenalina y la melancolía que se ven reforzadas por la música utilizada en cada momento.

Fig. 11. Escena de acción en Arcane, 2024 (Vincentelli)
Fig. 12. Escena estilo acuarela en Arcane, 2024 (Blood)

De la misma forma que esta serie se ha visto inspirada por diferentes estilos de arquitectura y pintura, no podía faltar la influencia del cine. Directores cinematográficos como Brian De Palma (Los Intocables), John Woo (Duro de Vencer), Zack Snyder (Superman) e incluso Satoshi Kon (Perfect Blue) dejan su huella en Arcane como explican los directores de la serie:

“‘Arcane no está concebida como una serie animada’… ‘muchas de nuestras referencias son series o películas live-action’ (…)  De Palma se cita, por ejemplo, como una de las mayores influencias en la escena de suspense en el capítulo 201… ‘Estaba pensando en una escena en Los Intocables… ellos intercambian miradas, la tensión escala’ dice Arnaud Delor [director] (…)” (Vincentelli 2024)

Fig. 13. Entrevista a los directores de la serie, 2024 (Vincentelli)

Como hemos podido ver, al igual que no se deberían de juzgar los libros por su portada, tampoco se deberían de juzgar las series por la forma en la que están categorizadas. A pesar de que Arcane sea una serie de animación que se desarrolla en un mundo fantástico, también es mucho más que eso. En su arquitectura podemos ver pinceladas de nuestros propios edificios, sus murales nos remiten a nuestro artista favorito, sus ventanales a aquella catedral a la que siempre le tomamos una fotografía cuando pasamos por su lado. Es casi como si nuestro propio mundo pudiese ser tan fantástico como el que estamos viendo en nuestra televisión, si tan solo observamos lo suficiente y hacemos uso de nuestra imaginación. Debería ser un orgullo poder reconocer la forma en la que los diferentes campos artísticos con los que convivimos se inspiran e influencian de manera tan clara, dejando marcas por doquier y demostrando su inherente conexión. Esta obra “collage” me ha servido de musa para este artículo con el que espero también poder inspiraros a vosotros, ya sea a buscar las influencias principales de vuestras obras favoritas, a qué otras obras han seguido influenciando, o simplemente a ver la serie para poder apreciar su arte e historia.

 Referencias

Arcane. Directed by Riot Games and Fortiche Production, Netflix, 2021.

Blood, Malachi. “Viktor Heals Vander’s Mind (Warwick) | Arcane: League of Legends.” YouTube, 2024, www.youtube.com/watch?v=ZNd9AgYAxSA.

Brockhaus, Friedrich Arnold, and Ilia Efron, editors. “Brockhaus-Efron Aeronavtika.” Wikipedia, 2007, commons.wikimedia.org/wiki/File:Brockhaus-Efron_Aeronavtika.jpg.

Del Drácula gótico al Drácula barroco

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Atreverse con Drácula, tras el hito que marcó Francis Ford Coppola en 1992, es casi una osadía. En una época de revivals, hemos visto recientemente una versión de Nosferatu (Robert Eggers, 2024) y también se puede ver en estos días la versión de Frankenstein (Guillermo del Toro, 2025). Luc Besson se suma ahora a esta ola con su propia interpretación del mito vampírico.

La gran novedad de este Drácula es el traslado de la acción de Londres a París. Esto queda patente desde el inicio de la película, cuando a vista de pájaro vemos la Torre Eiffel y, segundos más tarde, un sanatorio mental que bien pudiera hacer referencia a la Salpêtrière y al Dr. Charcot. Este cambio geográfico no es meramente estético: permite a Besson desplegar un Drácula barroco y sensual, impregnado de esa joie de vivre parisina que vemos en las escenas disolutas de la capital francesa. Donde en el Drácula de Coppola encontrábamos prerrafaelismo, aquí tenemos El columpio de Fragonard en forma de muchachas que quieren disfrutar y seducir. Para recrear el castillo de Drácula, Besson eligió el Baluarte de los Reyes Católicos en Almería, una fortaleza del siglo XVI que aporta la monumentalidad y el peso histórico necesarios para la guarida del conde.

Besson introduce referencias de otros filmes que enriquecen su propuesta. La más evidente es Entrevista con el vampiro (Neil Jordan, 1994), basada en la novela de Anne Rice: Drácula va a contar su historia a alguien que quiere saber cuál es la vida de un vampiro, en un juego metanarrativo que funciona como marco del relato. Otro homenaje destacado es a El perfume (Tom Tykwer, 2006), adaptación de la novela de Patrick Süskind. El perfume es precisamente uno de los elementos de nuevo cuño introducidos por Besson que no están en el Drácula de Bram Stoker (1897), y se convierte en un motivo recurrente a lo largo del periplo del conde.

La música, firmada por Danny Elfman, es uno de los grandes valores de la película. Acompaña con maestría cada escena y constituye un valor seguro que no decepciona, elevando el nivel del conjunto del metraje.

Sin embargo, los diálogos resultan un poco flojos. A veces me cuesta asumir el profundo amor entre Drácula y su amada reencarnada. Me falta algo para entender cómo el amor regresa tras el paso de cuatro siglos, hecho que se hubiera subsanado con una oratoria un poco más profunda y emotiva.

Y por último, la gran novedad de esta cinta con respecto a los Dráculas que le preceden es la redención: Drácula se arrepiente ante Dios para morir, salvar a su amada de vagar por siempre entre las sombras y de alguna manera ser perdonado por sus pecados y deshacer el maleficio que lo posee.

El caso es que la película ha pasado sin pena ni gloria, al menos en España, tanto para la crítica como para el público en general. Pero cuando se trata de Drácula, no quiero dejar pasar la ocasión de hablar sobre él. Me ha parecido una apuesta fuerte de Luc Besson, quien además produce la película. No llega al ya citado Drácula de Coppola, pero aporta suficientes novedades —ese París decadente, el perfume como hilo conductor, los homenajes cinéfilos, la redención final— como para considerar el metraje como un nuevo Drácula a tener en cuenta. El tiempo lo dirá.